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走,去美術館!

發布時間:2019年10月28日 18:01:05    文章來源:耀炎論文網    作者:史編輯    閱讀:

導讀:這是一篇完整優秀的關于文藝論文范文,這一篇論文共有5265字符,本篇題目是關于“走,去美術館!”的。崔崔崔 杜小鐵 劉快快 時代浪潮的回應當代攝影家的影像視域 每一屆影像藝

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崔崔崔 杜小鐵 劉快快

時代浪潮的回應當代攝影家的影像視域

每一屆影像藝術博覽會都會匯聚世界各地的重要畫廊,展示攝影名家的重要作品,在今年的博覽會中,亦會展示藝術、人文、時尚、風光等不同類型的作品,本篇展示4個畫廊,9位攝影藝術家,共17幅精選作品。

尼克·奈特

代理畫廊:Christophe Guye Galerie畫廊(蘇黎世)

1958年出生于倫敦,曾在伯恩茅斯和普爾藝術與設計學院學習攝影。他于1982年以優異成績畢業。1985年,他的第一本書《光頭黨》獲得了最佳書籍封面設計師和藝術總監獎。上世紀80年代后期,山本耀司的藝術總監馬克阿斯科利( Marc Ascoli)曾連續12次委托奈特進行創作,為當時山本耀司的活動開辟了新天地。1993年11月,奈特通過改變環形閃光攝影來捕捉琳達伊萬格麗斯塔(Linda Evangelista)的影像,獲得了英國版Vogue的標志性后貼畫封面,從而創造了時尚史。自那以后,他的作品經常登上雜志封面。他曾為路易威登、YSL、和迪奧等品牌拍攝廣告。他還為大衛鮑伊( David Bowie)、保羅韋勒(Paul Weller)等音樂人拍攝唱片封面。

?尼克·奈特,《奚夢瑤穿著香奈兒高級定制時裝》(2011),Christophe Guye Galerie畫廊(蘇黎世)

?川內倫子,《無題》(Ametsuchi系列,2013),Christophe Guye Galerie畫廊(蘇黎世)

?川內倫子,《無題》(Ametsuchi系列,2013),Christophe Guye Galerie畫廊(蘇黎世)

?川內倫子,《無題》(Ametsuchi系列,2013),Christophe Guye Galerie畫廊(蘇黎世)

川內倫子

代理畫廊:Christophe Guye Galerie畫廊(蘇黎世)

1972年出生于日本滋賀縣,目前在東京生活和工作。她于2001年在國際舞臺上爆發,當時她被授予日本最重要的新興人才攝影獎木村伊兵衛攝影獎,隨后同時出版了3本精美的攝影書籍,Utatane(Catnap),Hanab/(Fireworks)和Hanako,其中Hanako是藝術家從個人角度研究一個同名小女孩的影集。這些“視覺散文”表現了她講述攝影故事的技巧,受到了極大的好評。自從這3本書籍出版以來,藝術家又出版了另外11本書,其中最新的是///minance和Arnetsuchi。

尼古拉斯·萊弗爾N17

Nicolas Lefeuvre N17

代理畫廊:ArtCN畫廊(上海)

1975年出生于法國,現生活工作于葡萄牙里斯本。畢業于法國雷恩美術學院及巴黎卡蒙多設計學院建筑與產品設計專業。畢業后他曾用一年時司游歷亞洲各地。2001年,尼古拉斯在新加坡創立了自己的工作室,為多家品牌提供創意藝術咨詢服務,并多次參與展覽策劃工作。在其策劃的“ChinArt town”活動中他舉辦了首次個展。之后他受雇于一家法國奢侈品公司擔任創意總監一職,并在2008年被外派至日本東京。他的第二次個人展覽“狀態J”在2012年于東京的香奈兒總部大樓舉行。五年之后被派往香港,并在此期間成立了自己的獨立音樂廠牌。

?尼古拉斯·萊弗爾 N17,《女士/周三IV》(2018),ArtCN畫廊(上海)

?納達夫·坎德,《水之三,第1、2&3部分》(2015),弗勞爾斯畫廊(倫敦、紐約&香港)

納達夫·坎德

Nadav Kander

代理畫廊:弗勞爾斯畫廊Flowers Gallery(倫敦、紐約&香港)

生活和工作在倫敦。憑借作品《長江>,他于2009年獲得世界環保攝影獎,而《塵》系列則聚焦哈薩克斯坦和俄羅斯邊境的隱秘城市,通過這些城市的放射性廢墟來探索冷戰遺跡。除此之外,其另一部創作系列《暗線泰晤士河入海口》拍攝泰晤士河河口與大海連接處的景觀,通過緩慢移動的黑暗水域及看似無限的水平線,來表達個人情感的投射。納達夫坎德獲得索尼世界攝影獎頒發的“攝影杰出貢獻獎”。

伊芙·阿諾德

Eve Arnold

代理畫廊:泰吉軒畫廊(北京)

出生于賓夕法尼亞州費城。她于1946年開始拍攝,1951年首次與瑪格南圖片社合作,并于1957年成為正式成員。她于20世紀50年代在美國工作,但于1962年前往英國,為了讓她的兒子上學;除了在美國和中國工作六年之外,她一生都住在英國。1980年在布魯克林博物館舉辦了她的第一次大型個展,展示了她在中國拍攝的影像。同年,她獲得了中國國家圖書獎和美國雜志攝影師協會頒發的終身成就獎。在后來的幾年里,她獲得了許多其他榮譽和獎項。1995年,她被紐約國際攝影中心評為皇家攝影協會的成員,并當選為世界上最負盛名的攝影榮譽——攝影大師。

安塞爾·亞當斯

AnseIAdams

代理畫廊:泰吉軒畫廊(北京)

美國攝影師,生于舊金山。他是f/64攝影團體的一員,與愛德華韋斯頓( EdwardWeston)、伊莫金·坎寧安(lrnogenCunningharn)等大師的一起推動攝影發展。他提出“區域曝光系統”的技術概念,認為攝影師應借光線的變化,控制底片和相紙上的密度觀感。他的作品以拍攝優勝美地國家公園系列的黑白風光作品最為著名。

?安塞爾·亞當斯,《黎明,秋天,大煙山國家公園,田納西州》(1948),泰吉軒畫廊(北京)

?安塞爾·亞當斯,《藤和巖石,夏威夷島,T.H》(1948),泰吉軒畫廊(北京)

?伊芙·阿諾德,《瑪麗蓮·夢露在內華達州沙漠彩排》(1960),泰吉軒畫廊(北京)

?布魯斯·韋伯,《三個男人的倒影,圣巴巴拉》(1989),泰吉軒畫廊(北京)

布魯斯·韋伯

Bruce Weber

代理畫廊:泰吉軒畫廊(北京)

攝影師和電影制作人,以黑白照片聞名于世,這些照片捕捉到了美國的形象和感覺。韋伯經常拍攝肖像,并努力捕捉主題的情感,并誠實地揭示人格元素。韋伯幫助定義了理想化和標志性的美國形象,特別是20世紀80年代的品牌廣告宣傳活動,如Abercrombie&Fitch、Ralph Lauren等。

約翰·塞克斯頓

John Sexton

代理畫廊:泰吉軒畫廊(北京)

出生于1953年,作為攝影師,大師級暗房師,作家和工作坊講師,他以自然環境中明亮、安靜的黑白照片而聞名。他為攝影和專業組織、學院和大學以及博物館講座,討論黑白攝影的美學和技術。他曾為喬治·伊斯曼之家、亞利桑那大學創意攝影中心、波士頓大學、洛杉磯郡藝術博物館、攝影藝術博物館和西雅圖藝術博物館等做過講座。塞克斯頓是2005年北美自然攝影協會終身成就獎的獲得者,是伊士曼柯達公司和其他攝影制造商的顧問。1979年至1984年,他擔任安塞爾·亞當斯的技術和攝影助理,然后擔任技術顧問。繼亞當斯先生去世后,塞克斯頓擔任安塞爾亞當斯出版權信托的攝影特別項目顧問。

?約翰·塞克斯頓,《比奇森林,吹雪,朗格索,丹麥》(1993),泰吉軒畫廊(北京)

?約翰·塞克斯頓,《蒙特利松林霧,圓石灘,加利福尼亞州》(1985),泰吉軒畫廊(北京)

?托馬斯·羅斯,《夢/變形記:潘神的夜間低語1~4》(2018),泰吉軒畫廊(北京)

托馬斯·羅斯

Thomas Rose

代理畫廊:泰吉軒畫廊(北京)

美國明尼蘇達大學人文學院的教授,同時也是該校與亞洲藝術院校學術交流的負責人。古稀之年的他生長在一個建筑設計師世家里。雕塑、工業設計、建筑設計、多媒體、綜合材料等等,多種藝術領域他都曾涉足過,20世紀60年代,他從德國學習回來后就開始拍照,當時,攝影的目的主要是用于記錄他的雕塑作品或是建筑作品。近些年,他把主要精力集中在攝影形式的創作上,他的祖父1906年所建立的暗房是他今天完成創作的地方。長期任教的經歷,讓他養成了探索精神和嚴謹的學術態度。受約瑟夫博伊斯的影響,托馬斯羅斯接受了杜塞爾多夫學派的一些模糊的非邏輯的神秘主義思想體系。他習慣從日常的東西中看出不同來,比如:“門”是通往另一個空間的中介,“書籍”是使思想到達另一個空間的中介。再比如:“玻璃”有一種神秘的象征意義,你的精神可以穿過它但是肉體卻不能。他的作品更多的是表現一種氣氛。就好像詩歌,他說:“詩歌就像是舞蹈,讓你的身體隨著音樂的節奏擺動,我更希望像舞蹈一樣的去攝影”。所以他的照片不僅是展示所拍攝的東西,而是讓人透過畫面去看背后的故事。因此,筑就了托馬斯羅斯的作品充滿了哲學的思辨力量,同時又像詩歌一樣的優雅,整體上呈現一種冷峻而神秘的后現代主義風格。作為視覺藝術家的托馬斯羅斯。他的多媒體作品在中國、韓國、法國、意大利、瑞典及美國展覽,其中包括華盛頓Hirshhorn博物館、惠特尼美術館、Downtown Branch、鐘塔博物館等等。

馬丁·舍勒:知人識面凱倫·史密斯

《知人識面》呈現了逾六十幅由世界知名的德國攝影師馬丁·舍勒拍攝的肖像。參展作品囊括了世界上最富影響力、最知名的社會各界人士的面孔,從藝術及娛樂界名流、國家領袖、政治家到企業家和運動員。

以極度迫近的特寫肖像而聞名。1993至1996年期間,他擔任安妮·萊博維茨的助手,此后成為自由攝影師。1998年以來,他的作品出現在《滾石》《時代》等刊物上。曾與理查德·阿維頓一同成為《紐約客》的特邀攝影師。他的作品被華盛頓特區的史密森尼學會的國家肖像畫廊納入永久館藏。

觀看馬丁舍勒的特寫肖像時我總是感到訝異。不僅是因為照片本身很驚人——當然也的確是因為它們驚人。無法想象攝影師是怎么做到如此近距離地去拍攝一個人。他大概和每一個被拍攝者都建立了密友一般的關系,我們這樣推測。但事實上,舍勒解釋說:“演員收了錢為電影做宣傳,而雜志需要內容。這就是需要我的地方了。這其實更像是生意。”

?馬丁·舍勒,《伊隆·馬斯克和兒子們,加利福尼亞州,霍桑》(肖像系列,2009),上海攝影藝術中心

隨著鏡頭和屏幕變得越來越高清,美顏軟件也越發普及,從手機蔓延到了電視播報攝像機。我們好像希望擁有新晉的科技,卻不愿接受伴隨科技而來的曝光度。我們需要保護,所以躲在軟件背后遮掩真身。說真的,沒人愿意被湊得那么近去觀看,每個毛孔、每道皺紋、膚色不均,全部瑕疵暴露無遺。但顯然,當手持相機的是馬丁舍勒的時候,有人愿意。或者說,他們不知道如何拒絕……事實上,許多被舍勒拍攝的人當時并不知道他的拍攝意圖。

我們日常生活中的大部分人,都是通過個人肖像而被我們認知,從我們仰慕的名人,到核心社交圈以外的朋友。誰能預料到如今的自拍熱潮,或者說,自我肖像在社交媒體時代的重要性呢?我無法理解這種通過無盡的照片、自拍的增殖來投射自我的現象。我討厭被拍照,真的很討厭。但我是少數。大部分人沉迷于此。起初馬丁舍勒的游擊戰式的拍攝手法很成功地捕捉了被拍攝者無意識的狀態,但現在這些名人們已經對于他的極度迫近的風格有所耳聞,對于這種手法最終呈現的效果也了然于胸——所有細微的面部特征展露無遺。雖然偶爾受到來自被拍攝人的反響,但馬丁舍勒現在依然接到許多工作邀約。

1 ?馬丁·舍勒,《阿黛爾》(特寫系列,2009),上海攝影藝術中心

2 ?馬丁·舍勒,《安格拉·默克爾》(特寫系列,2010),上海攝影藝術中心

3 ?馬丁·舍勒,《克里斯蒂安·貝爾》(特寫系列,2000),上海攝影藝術中心

4 ?馬丁·舍勒,《貝拉克·奧巴馬》(特寫系列,2008),上海攝影藝術中心

6 ?馬丁·舍勒,《帶著花朵頭飾的杰夫·昆斯》(肖像系列,2013),上海攝影藝術中心

7 ?馬丁·舍勒,《尤塞恩·博爾特在大都會藝術博物館》(肖像系列,2009),上海攝影藝術中心

舍勒拍攝的大部分名人都是一眼即可認出的,而另有一些卻需要在腦中回憶片刻才可確認。由于他極度接近被拍攝者而不得不使用較淺的景深,這有時會對人的臉部特征造成奇妙的變形效果,而如果被變形的恰好是某位名人的標志性面部特征,我們便無法即刻自信地辨認出他來。尤其是大鼻子的人,需要我們仔細端詳一番,因為淺景深往往將鼻子扁平化。耳朵則恰恰相反,在正面肖像中,耳朵(比如奧巴馬的那對)總是誠實地坦露它們主人的身份。舍勒的肖像中最攝人心魄的是照片中人的眼睛,穿過相紙直直地望著我們,尋求一種聯結。我們切實地感受到了這種連結,如電流一般。這種視線的相遇使這些肖像難以抗拒,這在如今的攝影中是難能可貴的。我們被畫中人的直視所俘虜,在照片前陷入催眠。

這些人為何允許舍勒如此迫近?名人通常小心翼翼地維持著形象,隱瞞著真實年齡,導演著他們的美麗以延長被喜愛的期限。政客和國家領導人須得表現出公開、誠實的樣子,以承擔其選民的信賴。舍勒的拍攝手法佐證了他們無所欺瞞的信條嗎?這就是他們允許他如此迫近的原因嗎?

答案是,他們并未允許。“幾乎所有的名人都是在為雜志拍攝的工作中捕捉到的。”舍勒說道,“他們中許多人并不知道鏡頭會如此之近。知道的人大多也對此有所猶豫。這是一個二十年之久的難題,而且隨著人們慢慢認識到我的意圖,它變得越發困難。”

這些特寫肖像是舍勒最成功的作品之一,因為在這些照片面前,我們不得不直面畫中人的真實自我,哪怕他們是我們景仰的、崇拜的、遙不可及的人。這些照片給了我們一個特殊的通道,令人震驚。

然而,舍勒照片中最誠實的自我展露來自于那些平凡的人。或者說,那些其實不那么平凡的人。舍勒把鏡頭對準了一些從某種意義上特殊的、所謂“邊緣化”的社會群體。他所拍攝的洛杉磯街頭的流浪者是他最直接、最震懾人心、最打動人的照片之一。這組照片用藝術的語言向一群人訴說了一個事實(身處藝術行業、每天造訪美術館的我們,文化消費者)——在我們日常的社交圈之外,世上還存在著另外一群人,他們由于各種各樣的原因,無法通過共同的價值、信仰或習慣在任何社群中找到歸屬感,也無法與“正常人”產生有意義的社會關系。或許出于種族或經濟階層的原因,生活在社會邊緣的貧苦之人無法以常規的方式參與到社會的經濟體系中來,因而逐漸走入孤立。而現在,他們就在這里,看著我們,像是在追問是否我們的價值觀才是扭曲的,而非他們的?

舍勒的肖像作品隨著他與人相遇的經驗積累而進化,這令他的作品沉淀出一種深刻的對于人性的社會學思考,正如我們每個人臉上刻著的一樣,不管是貧窮、富有、有名望或是有影響力,不管是政客、教育家、娛樂人士或是不被看見的大多數。靠近,意味著和一個完全接受我們的人分享真實的自我,包括瑕疵。舍勒的拍攝對象顯然接受了他。平凡者往往在美麗和強大的人面前感到炫目或怯懦。從這個角度來說,舍勒的照片是平等的。在極度近距離下,我們都是一樣的。區別開你我的,深埋于表象之下。

展覽信息

知人識面 | CLOSE

展期

2019.09.15-11.20

主辦

上海攝影藝術中心

諾米·古達爾:人造景觀與自然景觀的嫁接

影像藝術博覽會于2019年3月攜手MODERN EYE啟動全新獎項:曝光獎。該獎項鼓勵呈現前沿影像的畫廊提交個展申請,為全新實驗性作品提供展位舉辦個展。本屆“曝光獎”得主法國視覺藝術家諾米-古達爾的作品因其大膽理念以及優雅的視覺效果脫穎而出。

1 ?諾米·古達爾,Soulèvement IV(動蕩系列,2018),Galerie Les Filles du Calvaire畫廊

2 ?諾米·古達爾,Telluris IV(地球系列,2017),Galerie Les Filles duCalvaire畫廊

諾米古達爾(Noemie Goudal)是一位法國藝術家,2010年畢業于英國皇家藝術學院,獲得攝影碩士學位,在巴黎生活和工作。她的作品將裝置和攝影結合,形成一種置景的效果,挑戰著人造景觀和自然景觀的界限。

“曝光獎”評委之一曹丹(現代傳播文化藝術平臺主席)認為,諾米-古達爾的作品之所以能從全球諸多入圍藝術家中脫穎而出,是因為“在‘雕塑攝影中,諾米-古達爾創造了一個現實與虛構、夢想與幻想碰撞的空間。她的作品重新點燃了我們的本能和天真,讓我們回望天空、大自然和宇宙。在這些寓言般的人造景觀中,我們試圖尋找一個地方來安頓我們詩意的靈魂和流動的思想”。

在這次影像藝術博覽會上,諾米古達爾將會展出名為Demante!ements(意為拆除)的新系列。藝術家對地質學很感興趣,尤其想知道過去幾世紀中人們是如何理解地質學,如何理解地球的構成。這次創作也是Telluris(拉丁文是地球的意思)和Soulevements(意為動蕩)兩個系列相同研究的一部分。Demantelements是這個大項目的最后一部分。從更技術性的層面進行解釋的話,在這個系列中,諾米古達爾首先會拍攝一座山,把它印在紙上,然后用水溶解,接著把這張紙裱在塑料畫布上,剪出山的形狀。之后,將其掛在另一座小山的景觀前面,看起來好像山一直延伸到景觀中。部分作品甚至會使用同一個鏡頭生成多達120張的圖像。從這些圖像中,觀眾可以看到山被水瓦解了。

諾米古達爾想要嫁接人造和自然,看它們如何相互融合,她想要探討如何將一個空間延伸到另一個空間。她非常喜歡和圖像的層次打交道,并且由此意識到圖像可以生發出許多能探知和思索的層次。她認為觀眾每個人都有自己的背景、文化和幻想。當她試圖在每一張照片中觸及不同的人,觀眾就能從中找出只對他們構成吸引力的東西。

諾米·古達爾的作品一直與戲劇、舞臺元素聯系在一起,是一種能引起觀眾反應并激發他們想象力的作品。某種程度上,這非常類似于一種置景,使得人們沉浸其中,藝術創作能夠場景化或者成果化是非常重要的。在這個過程中,藝術家可以進行各種各樣的設計,并提出許多的問題。

3 ?諾米·古達爾,Démantèlement Ⅲ(拆除系列,2018),Galerie Les Filles du Calvaire畫廊

瑪麗娜·阿布拉莫維奇: 情人·長城 聶景

阿布拉莫維奇開創了將行為表演作為一種視覺藝術創作形式的先河,她的傳奇作品系列《情人·長城》是行為藝術史上的“決定性時刻”,是由她與前搭檔烏雷合作的落幕表演,是對情人關系令人心碎的記錄。

瑪麗娜·阿布拉莫維奇

這個時代最偉大的行為藝術家之一,被譽為行為藝術之母。她將自己與藝術融為一體,不斷挑戰身體和精神的極限。

參考文獻《藝術史:1940年至今天》 (2015)

[美]費恩伯格《攝影:從文獻到當代藝術》 (2018)

[法]安德列·胡耶《瑪麗娜·阿布拉莫維奇傳》(2013)

[英]詹姆斯·韋斯科特

行為藝術之母

藝術生涯早期,阿布拉莫維奇的代表作品是節奏系列。1975年,在那不勒斯的莫拉工作室,阿布拉莫維奇表演《節奏0》( 1974),她靜靜地站著,任憑觀眾使用72件道具來擺布她。道具包括剪刀、寶麗來相機、口紅、鏡子、鎖鏈……還有一把裝有一發子彈的槍。在獲得無責任承諾后,觀眾脫掉她的衣服,將她擺成各種動作,在她臉上寫字。最終將槍放在阿布拉莫維奇手中,并把槍口對準她的頭,這一行為被他人制止。《節奏0》以一種被動殉難的表演方式,試探了公眾對于無約束的權力的濫用程度。

阿布拉莫維奇藝術生涯的第二階段,是與德國行為藝術家烏雷( Ulay)合作。他們成為情侶,一起完成了《無量之物》(1977)、《時間關系》(1977)等作品。他們合作的最后一件作品則是《情人長城》(1988)。此后,阿布拉莫維奇藝術生涯的第三階段,回歸個人探索行為藝術,創作了《海景房》( 2002)、《七個小品》(2005)等作品。

1 ?瑪麗娜·阿布拉莫維奇,《情人(蛇嘴)》(1988/2019),SeanKelly畫廊

2 ?瑪麗娜·阿布拉莫維奇,《情人(四只鞋)》(1988/2019),SeanKelly畫廊

3 ?瑪麗娜·阿布拉莫維奇,《情人(兩個容器)》(1988/2019),SeanKelly畫廊

出生于前南斯拉夫的阿布拉莫維奇一生居無定所,算是一位“國際公民”。她提前為自己準備的遺囑中寫道,她希望自己的追悼會上有三個棺材,第—個裝自己的遺體,另外的裝遺體的模型,她會指定三個人在美洲、歐洲、亞洲的三個地方安排這三個棺材。她要求出席追悼會不穿黑色,在追悼會的開頭,由安東尼演唱弗蘭克辛納屈的歌曲《我的路》,將追悼會辦成又慶祝生又慶祝死的結合。追悼會之后的宴會上要有一個她身體形狀的杏仁蛋糕,分給在場的人。

攝影與行為藝術的結合

在所謂“美術”的藝術創作中,攝影多是作為工具。隨著觀念藝術和行為藝術興起,攝影的地位開始改變。20世紀60年代末,現代主義藝術陷入片面追求形式的極端,一些前衛藝術家試圖擺脫形式的束縛,將作品的解釋作為作品成立,意圖將形象的藝術變成觀念的藝術,藝術呈現非物質化的趨勢。但作品的物質性很難被完全取消,觀念需要載體,因此藝術家可以使用任何方式表達觀念,而不拘泥于“美術”,攝影成為觀念藝術家實現自己主張的視覺修飾。典型的觀念藝術與攝影結合的作品,是約瑟夫柯蘇斯( Joseph Kosuth)的《—個和三個椅子》。

對于行為藝術而言,與藝術市場之間的鴻溝,在于畫廊需要銷售實體化的藝術品,但是行為藝術不是物體而是過程。此時,攝影與行為藝術結合,照片截取的片段性特征,使其不能像錄像一般表現行為藝術的過程,這符合行為藝術家將藝術非物質化的理念,同時,畫廊方面認為照片是行為藝術的物化品,可以展示和流通。攝影以近乎物質的方式介入到非物質化理念的藝術作品中。

觀念藝術使藝術從物質范疇進入事件范疇,觀念和行為藝術的創作中,照片與并置的文字、圖示共同構成藝術作品的一部分。阿布拉莫維奇開創了將行為表演作為一種視覺藝術創作形式的先河,并在其整個職業生涯中使用攝影來記錄她的表演。她的傳奇作品系列《情人長城》(1988)是行為藝術史上的“決定性時刻”。

情人·長城

1988年3月30日,阿布拉莫維奇從山海關向西行走,烏雷從嘉峪關向東行走,90天之后,他們將會相遇。徒步長城將成為兩人最后一次共同表演。兩位好友作為記錄者。

高海拔地段長城的風極大,阿布拉莫維奇不得不將口袋填滿石塊,以免被風吹到山下去。烏雷也因高海拔和冷空氣患過胸膜炎,被送醫院。阿布拉莫維奇沒帶地圖,烏雷則帶上他能找到的最詳盡的地圖。他們最終在二郎山相遇,同時宣告分手。

藝術家在此系列照片下方繪制圖案,“蛇嘴”中,阿布拉莫維奇站在蜿蜒的長城上,照片中她繪制像長城一樣的蛇與人臉連接的圖案。“四只鞋”從側面拍攝她在長城上行走,照片中繪制兩雙鞋樣。與烏雷相遇的照片中,繪制的是兩個容器。阿布拉莫維奇以圖案象征照片中自己的狀態,《情人長城》成為她藝術生涯第二階段的休止符。

卡別耶拉·莫拉維茨:在空隙中縱橫交錯/挖掘空白 卡別耶拉 莫拉維茨

攝影只是莫拉維茨選用的一種表達方式,其精確的構圖和所選用的不同材料,使她的作品如同雕塑或裝置被置放于她的行為過程之中。她的每一件作品獨一無二,并讓我們領略她在捕捉那些作品瞬間的一瞥。

卡別耶拉·莫拉維茨

波蘭裔法國藝術家,畢業于聞名于世已有200年歷史的波蘭克拉科夫美術學院,攻讀版畫、繪畫及雕塑專業。莫拉維茨的創作從不滿足于單一媒介,多種材料的參與恰當地反映她作品內容的多重層面,在頗為復雜的組合對比中營造超現實的夢幻空間景致。她的攝影裝置系列通過幾何形式來反襯儀式感的構圖,其形而上學與科學兩個截然不同的系統,被渾然結合在了一個多層面的結構里,與此同時又為我們留下解構它們的永恒動力。隨著其結構的消失讓我們享受作品的深謀遠慮,并跟隨她進入奇妙的情景之中。攝影只是莫拉維茨選用的一種表達方式,其精確的構圖和所選用的不同材料,使她的作品如同雕塑或裝置被置放于她的行為過程之中。如此特殊的創作過程使她的每一件作品獨一無二,并讓我們領略她在捕捉那些作品瞬間的一瞥。莫拉維茨的作品廣受美術館、藝術機構以及東西方藏家的青睞。

還存在另—個世界,但它也在這里。——保爾艾呂雅

……烏托邦是一個看不見的島嶼……

我們從沒有試著建造過什么,而建筑設計類的幻象總能在超越我們想象的遺忘,找到他們最后的方向。這些模型,由于需要建造得十分精確且充滿情感而變得有些笨重和繁瑣。即使在毀滅階段,它們的形態仍具有啟發性和強大的力量,但它們不再是無法觸碰的對象。而在它們的脆弱中,展現了一種新的創造潛力。那些在途中被拋棄的夢想仍然有—股神秘力量,而我的任務就是讓他們蘇醒過來。

在我的想象中,我正在走向一個與現實毫無聯系的空間——它更像是一個一切都消失了或是什么都還沒出現的地方。我行走在荒地上,在那里,“想象”是唯一的活動,就像在一個一切皆有可能的“空白”里,便可以真正活于自己的心中。

我一直對那些能喚起非陸地景觀情感的地方感興趣。這與我對土壤材料、礦物成分和顏色的迷戀有關,通過觀察一片區域內的碎片化的地理元素,你可以由此發現一個和自然梯度一樣強大的地形(盡管它只是部分的碎片化信息)。

正是通過深耕“空”的空間,讓我想到將兩個世界組合在一起:它們一個來自礦物而另一個來自理智思索。而卡馬爾格的風景也就成為了這個新的未開墾的星球,在那里一切行將可能。特別是,它那一片片鹽堿地或終將被遺棄。我發現在這不斷變化和運動的景觀中有一種威脅,但同時也有一種感覺:這是另一個世界,但是顏色是甜蜜和閃耀的。

當我走路的時候,我的眼睛緊盯著腳下的地面,我感覺離地面越來越遠了。在過去的幾年里,我一直在我的工作室里進行失重的實驗,“失重室”系列作品在那里變得非常自然。我發現,某些抽象結構即便“浸沒”在物中,而隨處可見的低洼卻給景象帶來災難之后的樣子。的確,有一些神秘碎片,它們的怪異讓人感到畏懼,但還是完全融入了這個空間。

埋在地下并被水覆蓋的1日機器是未知世界遺留下來的回憶。地表的實質是泥土、鹽和水。這幾乎是一個充滿各種危險、裂縫、洞穴和火山的荒原……我們有觸摸遙遠星球的物質的感覺,我們想要融入這空間。

回到我的工作室,我嘗試重現這些相同的質地,我繼續想象著居住在這些空間的不同可能|生。我很喜歡弗蘭克勞埃德賴特(Franc Lloyd Wright)的這個觀點:他認為地球會向著自己的方向傾斜倒退,退到它自己的圍墻里,如果不被打開,它就不能成為一個避難所——這是從人類侵占的姿態里發現的。(PS:羅伯特波格-哈里森( Robert Harrison Forest)《文明的陰影》)

我通過對模型剩余部分的改造、繼續解構和重建形式,通過這些廢墟的微縮,去尋找—個新的維度。從這些汞合金混合物,還有所有這些經歷中使我開始意識到一個似是而非的現實。

我經常在景觀中使用鏡子和其他反射面。因此,鏡子和反射面通過反射光線,將光線引導到一個像窗戶一樣黑暗的地方。

與鹽打交道有很多含義。顏色范圍從粉紅色到明亮的白色是純光。我想起羅德的妻子(因沒有聽從天使的話回頭望)變成鹽柱的故事。即使是災難象征的紀念碑,但同時也是純潔的。過去和現在,水平和垂直,作為生命和死亡的隱喻,是我們經常遇到的問題。有時我對我們遺留的東西仍感到困惑……然后我回頭看——我必須找到一種辦法,它不會暗示結局,但是會顯出新現實的可能性。

卡別耶拉·莫拉維茨,2019年7月,于巴黎

1 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里I~II》(2019),see+畫廊

2 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里I~II》(2019),see+畫廊

3 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《雕刻板,別人的夢想》(2019),see+畫廊

1?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

2 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

3 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

4 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

5 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

6 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

7 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《還有其他世界,但他們在這里III~IX》(2019),see+畫廊

8 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《烏托邦——小島I》(橢圓,2019),see+畫廊

9 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《烏托邦是一個小島》(2019),see+畫廊

10 ?卡別耶拉·莫拉維茨,《地上不曾有天堂》(Voluspa系列,2019),see+畫廊

阿德里安·紹爾:多樣化的實驗

德國藝術家阿德里安-紹爾將攝影與數字影像技術以及裝置結合在一起,通過多樣化的實驗和新的視覺方式處理影像。

?阿德里安·紹爾,《漸變色》(2012),Klemms畫廊(柏林)

阿德里安·紹爾

1976年出生于柏林。他于1997年在萊比錫(HGB /視覺藝術學院)學習美術/攝影,2005年完成美術/攝影研究生學位。紹爾的攝影作品被私人和公共機構收藏。

代理畫廊:Klemms畫廊(柏林)

個人網站:https://www.adriansauer.de/

您最近的作品中,裝置偏多,為什么會有這樣的轉變?

“三維或物質作品”作為一種補充方式,可以解決我對“攝影”領域感興趣的特定主題。它們提供了一種非常直接的在空間中工作的方式,并且可以處理這些空間本身的現實建筑元素。

《每個人的房間》(Raum ftir Alle)作品使用3D建模,您認為數字技術為影像帶來的改變?

雖然“經典攝影”在很大程度上是“文獻”和索引生的媒介,但新開發的數字工具和我們對使用它們的理解,提供了一種更加多樣化的實驗領域,和以新的視覺方式處理內容的方式。與此同時,我們的“認知前提條件”仍然在拍攝一張真實的現實“形象”。我在自己的藝術創作中使用這種特殊情況。

您有幾組作品是關于色彩的RGB值,為何對色彩如何著迷?創作這些作品的初衷是什么?

我對此非常著迷,因為在RGB色彩空間中有一個確切數量的顏色可以使用。并且有可能全部使用它們——只需為此目的“編寫”程序。在這種情況下,我已經開發了一系列的作品,其中包括16,777,216——224種顏色。

您如何平衡商業與藝術創作,創作之前關心作品的商業前景嗎?您會關心藏家是否理解作品嗎?對中國的藝術品市場抱有何期待?

創作藝術作品時,我從未關心藏家的想法。然而,觀眾感受對藝術作品來說很重要。出于這個原因,我當然對收藏家以及其他藝術家、畫廊主、策展人和藝術評論家的感受感興趣。作為一名藝術家,我首先對自己將創作的內容感興趣。但是,當有人對我的工作感興趣時,這當然是有幫助的……我期待作品在中國展覽的經歷以及將會收到的反饋。

季勇:日常生活的轉化

法國藝術家季勇的作品專注于日常生活中不起眼的畫面,他的攝影手法將其轉化成一種蘊含著強烈情緒的獨特美感,將無序的風景推離了原本的語境。

季勇

法國視覺藝術家,專注攝影領域,1969年出生于諾曼底。他畢業于卡昂美術學院(DNSEP:國家造型藝術高等學歷)。他自2018年夏天起在柏林工作生活。

代理畫廊:M藝術空間(上海)

個人網站:https://guillaumehebert.com/

您的許多作品是將攝影與繪畫結合的方式,為何選擇這樣的方式?是受到了某些藝術家的影響嗎?

是的,沒錯。在西方和東方,繪畫在攝影中一直扮演著重要的角色。正如我所說,攝影是繪畫的妹妹,或者說是繪畫的延續。因此,攝影師有意識地或無意識地受到繪畫的影響也就不足為奇了。這便是文化……我們的視覺受到繪畫的制約。就我而言,我從繪畫開始,然后再去攝影。所以當我拍照時,總是用畫家的眼睛。因此,我所有的作品都以繪畫為特征,從而創造出我稱之為攝影畫的作品。它最終是與上個世紀初的畫意攝影相似的作品。

我所受到的影響是多種多樣的。既有屬于繪畫的,也有屬于攝影的,也有屬于其他領域,例如音樂或靈性。它們強烈地沉浸在過去和歷史中。所有的文化都是我生活的一部分。

您的作品中,多是把背景做成繪畫效果,而不是前景或主體,這是為什么?

攝影和繪畫,前景和背景,現在和過去,真實和人為的,在我的圖像中總是有這種對風景的二分法,有時是模棱兩可的解讀,讓人思考。最后,我拍攝風景類似昔日的攝影師在工作室拍攝肖像。有一個舞臺和幕布式的背景,類似劇院使用的布景。

您模仿巴耶爾( Hippolyte Bayard)作品是為了什么訴求?最終實現了嗎?

這張希波利特-巴耶爾的照片和其他照片一樣。這是攝影史上第一次使用攝影敘事,盡管它的標題相當幽默。我只是重新使用了這個想法,制作了一段視頻和五張圖片的變體。我喜歡這個非常戲劇化的一面,我既是攝影師又是演員。我的作品中有很多嘲諷。

當代文化,比如音樂、電影、當代藝術、流行文化等等,對您創作影響最多的是哪些方面,這會體現在您的作品中嗎?

我對當代創作保持很緊密關注,繪畫和攝影等領域都是如此。有很多藝術家的作品我覺得很有趣,但即使他們的作品引誘了我,我也不會讓自己受到影響。此外,我采取了所有必要的預防措施,以避免重復別人已經做過的事情,我不想被指控剽竊。但同時,不可避免地會與其他人進行比較或分享相同的心愿。也如希波克拉底( Hippocrates)所說:藝術是漫長的,生命是短暫的。

我所有的作品都以繪畫為特征,從而創造出我稱之為攝影畫的作品。

收藏內心熱愛的影像藝術品

經濟效益與審美享受,是藝術品投資兼而有之的優點,影像藝術品投資越來越為藏家所注目,本屆影像藝術博覽會參展的常青畫廊、香格納畫廊和泰吉軒畫廊,給出了他們的影像藝術品投資建議。

?漢斯·奧普·德·貝克(Hans Op De Beeck),《收藏家的房間》(布展現場)(黑白)(2018),拉姆達打印,鋁塑板,有機玻璃裝裱,87×4×87cm,常青畫廊

1.保持對藝術家的好奇

常青畫廊

1-我們相信,當您收藏內心喜歡的藝術作品時,這將是正確的選擇。

2-總是對您喜歡的藝術家保持好奇。盡可能多地參觀藝術家的展覽并索取展覽目錄。豪不猶豫地向畫廊和藝術機構索取信息,并在可能的情況下與藝術家見面。藝術家經常出席他們的個人展覽,他們很愿意分享自己的作品。

3-攝影收藏家是多種多樣的。有的收藏家收集的歷史照片通常只在博物館中找到,有些人則喜歡從特定時期收集與特定科目或攝影師有關的作品。如今,越來越多的人開始按照他們自己內心的聲音收集照片,這種特殊的感覺可以將我們帶入一個充滿好奇心和情感的新世界。我們總是建議收藏家盡可能多地體驗藝術,以收藏符合他們內心熱愛的藝術品。

?陳維,《昨日商店》(2014),收藏級噴墨打印,150×187.5cm,香格納畫廊

2 接受當代藝術的挑戰

香格納畫廊

1-收藏有價值的藝術品。

2-收藏能觸動您的眼睛、內心、大腦,抑或觸動您全身心的藝術品。

3-當代藝術總是充滿挑戰,因此請接受挑戰,不要留戀過往的藝術品。

4-做好準備工作,經常參觀畫廊,了解藝術家的創作歷程,品鑒藝術品。

5-關于照片收藏:了解版數、簽名方式以及收藏證書的信息;照片原作不要掛在明亮的地方,防止褪色;考慮使用防紫外線玻璃減少反光,觀看效果更好。

3 建立審美的坐標體系

泰吉軒畫廊

1-多看大師多看經典,任何美學欣賞都會有一個過程,一開始我們喜歡的未必是我們能一直喜歡的。所以先多看多學習,建立審美的坐標體系非常重要,建立坐標體系必須依靠經典作品來建立。

2-收藏不是賭博,嚴格注意風險控制。寧肯買貴也別買錯。買貴了時間能夠彌補回來,買錯了那就是一張紙。所以這里又回到第一條,建立審美的坐標體系非常重要。也不要一味盯住價格漲幅不放而喪失了收藏的初心。當然一切收藏要以自己的喜歡為最根本的出發點。

3-和畫廊老板做朋友,一個專業的能夠長時間健康經營的畫廊必然擁有其獨到的選擇作品的準則。多和幾個不同畫廊接觸,多聽取畫廊專業人士的意見,能夠解決一些收藏中遇到的諸如藝術家介紹、制作工藝、版號等基礎問題。一個負責任的畫廊也會很樂意協助藏家來進行收藏規劃和作品篩選。A畫廊代理的藝術家作品不妨咨詢一下B畫廊和C畫廊聽取一下他們的意見。一個專業的負責任的畫廊老板作為收藏顧問絕對能夠幫助你少走彎路,學到更多。

?杰里·尤斯曼(Jerry Uelsmann),《生銹鋼板》(1990),鉑鈀印相,44.7×58.2cm,泰吉軒畫廊

馮君藍 ╳ 阿布拉莫維奇 盤點藝術家創作背后的兩三事 eseel

當我們看到某個藝術作品的時候,除了關注作品本身外,想必最令人好奇的就是作品背后的藝術家了,他們生活中是什么樣子的?又是如何進行藝術創作的?如果你很想了解這些的話,不仿一起來看看吧。

1. 馮君藍

最不會用相機的攝影家

縱觀攝影史,拍攝面孔的人很多。從馬丁舍勒的“貓眼”,到韓國攝影家林呤均的個人標準照,肖像攝影從不是一個冷門的題材,因此,這個時代要想因大眾的題材出類拔萃,那一定是有最特別的地方。

提到這位天才藝術家,有兩個點必須講到,一個是他的牧師職業,一個是“不會使用相機”。

馮君藍,從小生長在一個基督教的家庭中,父親是一名牧師,從小對于基督教義耳濡目染,但是真正從事牧師這個職業,是因為33歲時,父親罹患癌癥,臨終前告訴他“什么時候,兌現你對上帝的承諾,永遠都不遲”。因此,35歲的馮君藍正式進入神學院,成為了上帝的仆人。

因為牧師這個職業很忙,所以馮君藍沒有時間進行繪畫和出門旅行,于是他就在自己的碎片時間里,在自己的辦公室,用一臺用了近20年的尼康FM2,搭配一個標準鏡頭、靠著一塊反光板、一條遮光的黑布和一扇允許光進入的大窗,拍攝他教會里的兄弟姐妹,最熟悉的人,慢慢地,他覺得攝影仿佛打開了和上帝的溝通之門,他通過攝影,“間接的感受到了上帝的安慰”。

與其說,馮君藍是用相機拍照,不如說是用心靈拍照,他自己也曾在采訪中說過,“我說我不會拍照,沒有人信,一直到現在很多相機的功能我都搞不定,得問我的小孩要按什么按鈕,怎么恢復”,他唯一接受過的關于攝影的專業教育,大概就是阮義忠舉辦的攝影班了。使用相機不熟悉的他,卻很善于用自己的角度創作作品,平日里他會從各處淘舊物,或者用樹葉和藤蔓編織衣服,作為模特拍攝的服裝,其中不乏有教徒送來的親人過世以后的舊衣服,他用自己的方式觀看生命,用《圣經》解讀生活,他認為他拍的對象,物件、人、風景不是我創作的,是已然存在的現實。拍照片,他只是尋找角度,觀察方式,他沒有創造什么東西,頂多是安排、連接。

帶著這樣的觀看態度,他作品中的人物表情都透露著一種淡然,其中不乏包括《主的使女》中的那位懷孕時為了保住腹中胎兒錯過了癌癥的最佳治療時間,拍攝照片時腹部積水嚴重,于不久后辭世的女性。理所當然的,作為馮君藍的老師,阮義忠第一次看到這些照片時,稱贊這組照片是“近年來華人攝影國里最好的肖像攝影”。

2.阿布拉莫維奇

麻醉自己6小時,差點死在展覽現場

說到行為藝術,不知道大家會想到什么,有人認為,行為藝術等于神經病,是難以理解的奇怪的行為,是色情、暴力、血腥、挑戰禁忌等沖擊話題和焦點的元素的行為的一種集合,在這個特別的藝術形式中,觀眾也是其中非常重要的一環,所以無論何種解讀,存在即是合理的。

這里呢,我想介紹一位被稱為“行為藝術之母“的瑪麗娜阿布拉莫維奇,以及她的節奏系列中的巔峰作品《節奏0》。節奏系列包括很多作品,1974年在意大利那不勒斯實施的《節奏0》是節奏系列的最后一個作品,也是此系列中的巔峰作品,此次作品融入了藝術家與觀眾的互動性表演,阿布拉莫維奇將可以維持6小時的麻醉劑打入自己體內,面向著觀眾站在桌子前,桌子上擺放的是提供給觀眾的七十二種道具,包括上了膛的槍、菜刀、釘子、鐵鏈、鞭子等危險物品,在這個行為開始前,她已經簽下了一份免除參與者所有法律責任的文書,因此觀眾可以使用任何一件物品,對她做任何他們想做的事。

行為結束后,她走向群眾,但人們害怕她會報復,四散而逃。

這場表演收獲到的評論褒貶不一。有人說,可以讓人洞察人性的卑劣,有人說,這是一個跳梁小丑的嘩眾取寵。但阿布拉莫維奇只是說“這次經歷讓我發現,一旦你把決定權交給公眾,離喪命也就不遠了”。

剛開始觀眾還是比較拘謹的,大家對這個詭異奇特的藝術行為充滿了好奇,也只是做些簡單的行為輕輕試探,比如拿口紅涂花她的臉,將她的衣服用剪刀剪碎等等,但是當他們發現阿布拉莫維奇真的不會抵抗,潛藏在人們內心最深處的丑惡漸漸都暴露了出來,開始了這場解放原始獸性的狂歡,有人撫摸她的胸部,猥褻她的下體,有人用鐐銬捆綁她,有人津津有味地拍下她的裸照,還叫她拿在手里,有人將玫瑰猛然刺入到她腹中,有人用尖刀劃破她的皮膚,刺目的鮮血涌了出來……

在場的所有人除了施暴就是冷漠旁觀,沒有人想過擁抱。

阿布拉莫維奇上身赤裸著,皮膚滲著鮮血,內心充滿著恐懼,被麻醉的身體讓她沒有能力阻止,只能眼睜睜看著施暴者繼續著這場人性丑陋的狂歡,接下來,有人拿起那上了一顆子彈的手槍,放入她的嘴里,意欲扣下扳機——這是她最接近死亡的時刻,直到另一位觀眾驚恐不已地將手槍奪走。這一刻阿布拉莫維奇流下了悲傷的眼淚。

 

本文來源:http://www.jnzhgk.com/wenyi-lunwen/24820.html

 

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